D’Arles à Naoshima, la traversée joyeuse de huit réalisations de l’architecte japonais.

Découvrir Tadao Ando

Né à Osaka en 1941, Tadao Ando s’est formé à l’architecture en autodidacte. Il a appris en voyageant, en visitant, en observant et en dessinant des bâtiments. Ses premières expériences passent aussi par la conception de mobilier, l’architecture intérieure, la rénovation et la construction de petites habitations.

Enfant, il fréquente les ateliers proches de sa maison et découvre le travail du bois. Il évoquera plus tard cette expérience sensible de la matière : « après une longue période de tels efforts, je suis devenu capable d’entendre le cri du bois, la voix de la force latente qui réside dans le matériau lui-même, et cela m’a aussi rendu capable de percevoir la vie qui résonne dans d’autres matériaux architecturaux, tels que la pierre et le béton, et d’entendre la respiration du sol lui-même. »[1] Il fonde son agence en 1969 et reçoit le prix Pritzker en 1995.

Son architecture se caractérise peu à peu par l’emploi du béton apparent, des formes géométriques simples, une composition précise des parcours et une attention particulière à la lumière, à l’eau, au vent et au paysage.

Dans ses écrits, Ando mobilise la notion japonaise de shintai, qui engage le corps et l’esprit dans notre relation au monde. L’architecture se découvre par la vue, l’ouïe, le toucher, mais aussi par le mouvement. Marcher modifie les perspectives, les distances et notre perception du lieu. Avec une palette limitée de matériaux, Ando laisse agir le soleil, la pluie et le vent. Il accorde aussi de l’importance à des espaces qui ne répondent pas seulement à une fonction, mais peuvent susciter des émotions et des sentiments.

Il s’écarte ainsi d’une conception exclusivement fonctionnelle du bâtiment. Les espaces de transition — escaliers, passages, cours — prennent une place particulière : ils permettent de circuler, mais aussi de se rencontrer, de s’arrêter et de réfléchir. Ando rapproche certains de ces intervalles des petites rues faiblement éclairées qui séparent les maisons à Tokyo[2].

Sa démarche accorde aussi une grande place à l’histoire, au climat et aux caractéristiques propres à chaque site. Les constructions se comprennent dans leurs relations avec les paysages et avec les personnes qui les traversent. Cette attention à l’expérience vécue rapproche son travail des approches phénoménologiques de l’architecture. La notion de « milieu » y occupe une place importante : comprendre un bâtiment suppose aussi de s’intéresser aux relations qu’une société entretient avec la nature et aux formes de vie qui se déploient dans ce lieu.

Le Corbusier a été pour Ando une référence majeure. Au-delà de leurs différences, tous deux accordent de l’importance à l’émotion architecturale : un bâtiment ne se réduit pas à son utilité, il agit aussi sur la manière dont on se sent et dont on habite l’espace.

À partir des années 1990, Ando réalise des équipements publics de plus grande envergure. Il insiste sur la nécessité d’inscrire le bâtiment dans son site, jusqu’à l’y « enchevêtrer ». Avec un vocabulaire géométrique souvent comparable — carré, cercle, lignes droites —, il compose différemment selon la pente, la végétation, le tissu urbain ou la proximité de la mer. Il peut aligner un immeuble sur les hauteurs voisines ou enfouir une partie d’un bâtiment pour préserver la silhouette d’un paysage. Certaines réalisations produisent pourtant un effet monumental : ce n’est donc pas l’absence de monumentalité qui m’intéresse, mais la manière dont l’architecture dialogue avec le site. Les photographies peuvent donner l’impression d’un vocabulaire répétitif ; la visite révèle, elle, des expériences très différentes. C’est là que prend sens le genius loci, l’esprit ou la singularité d’un lieu : lumière, vent, eau, relief et usages deviennent des composantes de l’architecture.

Le béton apparent contribue à cette recherche d’unité. Employé sur les murs comme sur les éléments porteurs, il peut faire passer au second plan la distinction entre les surfaces et donner toute leur présence aux volumes, aux intervalles et à la lumière. Ando écrit : « Je préfère donner la parole à l’espace et ne pas permettre l’existence de murs en tant qu’entités distinctes. J’aimerais créer des espaces dans lesquels les textures et les caractéristiques des murs et des sols seraient invisibles ».[3]Le mur existe, mais l’espace entre les murs devient essentiel. Cette attention à l’intervalle évoque la notion japonaise de ma, qui ne désigne pas seulement un vide, mais une relation spatiale et temporelle.

J’ai rencontré le travail de Tadao Ando peu à peu, à travers ses réalisations, d’abord en France, puis au Japon. Ces visites m’ont fait comprendre physiquement comment il insère une architecture contemporaine dans des contextes historiques, urbains ou naturels. Surtout, elles m’ont permis d’éprouver ces sentiments qu’il cherche à faire naître au contact de ses espaces.

1. Arles — Lee Ufan Arles (2022)

J’ai tout de suite été fascinée par ce cheminement épuré, dans un espace clair et sobre, et par la rudesse des œuvres de Lee Ufan qui l’habitaient : pierre et acier… Je n’ai pas vraiment analysé l’architecture : je venais pour Lee Ufan. Mais la douceur neigeuse du béton et la façon dont l’espace m’accompagnait m’ont bercée, mise dans un état de joie calme, difficile à expliquer. Je retrouverai cette sensation plus tard, entre les murs de Tadao Ando. Paradoxalement, le béton me paraissait naturel, doux et chaleureux.

L’Hôtel particulier Duport-Vernon, construit et transformé entre le XVIe et le XVIIIe siècle, accueille depuis 2022 ce centre d’art consacré à Lee Ufan. Le projet associe les murs de pierre, les cours et les volumes de cet ancien hôtel particulier à des interventions contemporaines. Au rez-de-chaussée, Relatum – Ciel sous terre, conçu en collaboration avec Lee Ufan, prend la forme d’une spirale de béton dans laquelle on pénètre progressivement. Au centre, une image du ciel est le point d’aboutissement du cheminement.

Cette installation réunit plusieurs éléments présents dans le travail d’Ando : la géométrie, le mouvement du visiteur, l’utilisation du béton et la relation entre l’espace construit et la perception du ciel.

J’ai retrouvé à Naoshima la collaboration entre Ando et Lee Ufan, où ils ont créé ensemble le musée consacré à l’artiste [3].

[Mes photographies d’Arles]

2. Paris — La Bourse de Commerce (2021)

À Paris, Tadao Ando intervient dans la transformation de la Bourse de Commerce en musée d’art contemporain pour la Collection Pinault.

Au centre de la rotonde historique, il a introduit un cylindre de béton de 30 mètres de diamètre et de presque 10 mètres de hauteur. Le dispositif reprend totalement la forme circulaire du bâtiment. On peut largement circuler dans l’espace situé entre le cylindre et les murs existants, autour de cette nouvelle construction tout en conservant la perception du bâti historique.

Les surfaces lisses du béton, les galeries anciennes, les décors restaurés et la coupole vitrée constituent plusieurs strates architecturales visibles simultanément.

Là, ce qui frappe, c’est l’immensité de cette couronne dans une autre couronne. C’est vaste, haut, très lumineux, et il y a encore ce béton doux, tout en courbe, qui apaise et crée de la chaleur. On ne peut pas s’empêcher de caresser les murs et d’avancer le long de ce cercle immense. En montant par les coursives intérieures, on découvre d’autres points de vue ; de tout en haut, on voit ce qui se passe en bas, dans le cercle intérieur. Une double sensation de liberté et de réconfort.

On retrouve le travail sur les formes élémentaires, la matérialité du béton et la construction d’un espace intérieur, communs avec les réalisations japonaises d’Ando. La circulation autour du cylindre multiplie les perspectives sur le bâtiment et ses différentes époques [4].

[Mes photographies de la Bourse de Commerce]

3. Tokyo — Omotesando Hills (2006)

Nous voici dans un autre contexte : un ensemble de centre-ville qui se glisse dans un quartier déjà constitué. Sur l’avenue Omotesandō à Tokyo, artère commerçante bordée de grands zelkova, Ando a conçu un bâtiment associant commerces et logements.

La hauteur du bâtiment a été ajustée à l’échelle des arbres et de la rue. Sa façade accompagne la pente de l’avenue. Une grande partie de la construction se développe en sous-sol.

À l’intérieur, une rampe en spirale suit approximativement la pente de la rue et permet de circuler entre les différents niveaux commerciaux. Le projet conserve également une référence à l’ancien ensemble résidentiel Dojunkai Aoyama qui occupait le site.

J’ai observé le bâtiment depuis la rue, sans en visiter l’intérieur. Je ne l’aurais probablement pas remarqué si l’on n’avait pas attiré mon attention sur son architecte. Il n’est pas spectaculaire : il s’ajuste, suit la pente, épouse l’échelle de la rue et des arbres. La nuit, il brille d’une lueur laiteuse… C’est tout, et c’est peut-être l’essentiel.

Cette réalisation montre comment Ando prend en compte l’histoire urbaine, le paysage végétal et les circulations dans un programme architectural de grande dimension [5].

[Ma photographie de la façade]

4. Tokyo — 21_21 DESIGN SIGHT (2007)

Situé dans le jardin de Tokyo Midtown, le 21_21 DESIGN SIGHT accueille des expositions et des manifestations consacrées au design. Tadao Ando l’a conçu en dialogue avec Issey Miyake.

Environ 80 % de la surface du bâtiment se trouvent sous terre. Cette implantation préserve une grande partie du jardin et limite l’impact visuel de la construction. La toiture, formée de grandes plaques d’acier inclinées, s’inspire du concept vestimentaire A Piece of Cloth développé par Issey Miyake.

Depuis les espaces enterrés, on découvre des galeries aux grands volumes et une cour ouverte qui laisse pénétrer la lumière naturelle.

J’ai retrouvé à l’intérieur ma fascination pour les vastes escaliers et leurs trajectoires, pour les raies de lumière et la pénombre des salles en sous-sol… puis, tout à coup, cet immense mur vitré ouvrant sur une cour intérieure.

Le projet associe la précision de la construction, la sobriété des matériaux et une relation étroite avec le jardin. Depuis l’extérieur, le bâtiment paraît discret, presque effacé dans le paysage. À l’intérieur, on découvre au contraire de vastes volumes, des perspectives inattendues et des jeux de lumière qui accompagnent le parcours [6]. Ce jour-là, le musée accueillait une exposition consacrée aux petits habitats imaginés par différents architectes. Une belle résonance entre ce bâtiment en grande partie enfoui dans le jardin et les manières d’habiter des espaces réduits.

[Mes photographies du 21_21 DESIGN SIGHT]

5. Tokyo — Amayadori, The Tokyo Toilet (2020)

Dans le cadre du programme The Tokyo Toilet, plusieurs architectes japonais ont conçu des toilettes publiques dans le quartier de Shibuya.

Tadao Ando a réalisé le pavillon Amayadori, situé dans le parc Jingu-Dori. Son plan circulaire organise les différents espaces sanitaires autour d’un noyau central. Une enveloppe de lames verticales laisse circuler la lumière et l’air, tandis que le toit débordant forme un espace protégé de la pluie.

La circulation périphérique, les transparences partielles et le rapport à l’environnement végétal participent à la composition architecturale.

Cette réalisation aborde l’architecture à l’échelle d’un équipement public de proximité, à travers l’accessibilité, la protection et l’accueil des usagers [7]. Elle s’inscrit dans l’ensemble du projet et je n’ai pas porté une attention particulière à celle faite par Tadao Ando, mais au fait qu’il inscrive une de ses œuvres dans ce mouvement collectif, c’est finalement ce qui me plaît

[Mes Photographies du pavillon]

6. Naoshima — L’architecture dans le paysage

J’ai participé à ces visites dans le cadre du programme Moving Bounderies en octobre 2026.

L’île de Naoshima, dans la mer intérieure de Seto, accueille depuis la fin des années 1980 un programme associant création artistique, architecture et revitalisation territoriale.

Ce programme s’est développé à partir d’une initiative engagée en 1985 par Tetsuhiko Fukutake et le maire de Naoshima, Chikatsugu Miyake. Tadao Ando participe aux premiers projets, puis réalise notamment le Benesse House Museum en 1992, le Chichu Art Museum en 2004 et le Lee Ufan Museum en 2010.

Les constructions ont été progressivement intégrées aux collines, à la végétation et au littoral. Ando a également participé aux démarches de reboisement menées dans le cadre du projet.

Les musées proposent des cheminements élaborés : montées, descentes, changements de direction, passages entre espaces couverts et ouverts. Le visiteur découvre peu à peu les bâtiments et leur relation au paysage [2].

Chichu Art Museum (2004)

Le Chichu Art Museum est construit presque entièrement sous terre, sur une colline dominant la mer intérieure de Seto. Les volumes sont organisés autour de formes géométriques élémentaires : carrés, rectangles et triangles.

L’accès au musée se fait par une succession de rampes, de couloirs et de cours ouvertes au ciel. Certains passages conduisent à des cours plantées, notamment de bambous, tandis que d’autres offrent des vues cadrées sur la lumière et les parois de béton. Le parcours impose des changements réguliers de direction et de niveau.

Ces déplacements jouent un rôle important dans la perception du musée. Les espaces se révèlent progressivement, avec des variations de proportions, de luminosité, de température et de relation au ciel.

Les salles d’exposition ont été conçues en étroite relation avec les œuvres présentées.

Dans la salle consacrée à Claude Monet, un éclairage naturel diffus, des angles adoucis et un sol composé de petits éléments de marbre blanc contribuent à l’ambiance du lieu. La lumière varie au cours de la journée et modifie la perception des tableaux. Avant d’arriver au musée, on longe un jardin de nénuphars qui prépare à la rencontre avec les œuvres.

Les installations de James Turrell explorent directement la perception lumineuse. Celle de Walter De Maria, Time/Timeless/No Time, associe une sphère de granit, des éléments dorés, la lumière et les propriétés acoustiques de la salle.

L’étude de Maroje Mrduljaš décrit précisément cette composition des cheminements et des ambiances. Elle montre comment le temps de la visite participe à la rencontre avec les œuvres [2].

[Mes photographies du Chichu Art Museum]

Lee Ufan Museum (2010)

Le Lee Ufan Museum occupe une vallée ouverte vers la mer. Sa réalisation repose sur une collaboration entre Tadao Ando et l’artiste Lee Ufan. On retrouve leur collaboration d’Arles, mais à une toute autre échelle !

Une longue paroi de béton accompagne la pente du terrain. Le visiteur suit un cheminement qui conduit vers un espace extérieur qui accueille plusieurs installations de Lee Ufan, puis vers une ouverture étroite ménagée entre deux murs. On ne se doute pas que c’est l’entrée du musée !

Le passage se prolonge jusqu’à une zone couverte et faiblement éclairée, avant de déboucher sur un atrium. Ce changement d’ambiance invite à s’arrêter avant d’entrer dans les salles d’exposition.

La succession des espaces organise différentes situations de rencontre avec les œuvres : dans le paysage, au pied des murs, dans une cour ouverte ou dans une salle intérieure.

La pierre, le métal, le béton et les surfaces libres composent un ensemble aux proportions étudiées. La durée du cheminement et les possibilités d’arrêt occupent une place importante dans l’organisation du musée.

Maroje Mrduljaš souligne notamment que le temps consacré à l’approche du bâtiment participe pleinement à l’expérience artistique. Le parcours met progressivement en relation les œuvres, l’architecture et le paysage [2].

J’ai d’abord été happée par l’immensité du paysage et par l’arche gracieuse que Lee Ufan adresse à la mer. Puis par le musée lui-même, plus puissant, à mes yeux, par ses cheminements et la balade qu’il propose que par les œuvres exposées

[Mes photographies du Lee Ufan Museum]

Naoshima New Museum of Art (2025)

Ouvert en mai 2025, le Naoshima New Museum of Art constitue une nouvelle étape du travail de Tadao Ando sur l’île.

Construit sur une colline proche du quartier habité de Honmura, il comprend un niveau de plain-pied et deux niveaux souterrains. Sa grande toiture inclinée accompagne le relief. Les façades extérieures sont couvertes d’un enduit sombre qui peut rappeler les surfaces de bois brûlé présentes dans l’architecture japonaise.

Un immense et vertigineux escalier central, éclairé naturellement, relie les niveaux souterrains. Le musée accueille des expositions consacrées à des artistes contemporains asiatiques.

Le projet comprend également une dimension sociale affirmée. Le café &CAFE, situé au rez-de-chaussée et tourné vers le paysage de Teshima, accueille habitants et visiteurs. Son fonctionnement associe des personnes de l’île. Le musée développe parallèlement des ateliers, des rencontres et des programmes publics destinés à favoriser les échanges.

L’implantation dans le quartier de Honmura, les relations avec les habitants et la programmation culturelle inscrivent ce nouvel équipement dans la continuité du projet territorial de Naoshima [8].

[Mes photographies du nouveau musée]

Ce qui me touche dans l’architecture de Tadao Ando

Ce qui me touche finalement, c’est ce mouvement vers l’épure : Ando suscite chez moi une émotion faite à la fois de tranquillité et de liberté. Ces lignes géométriques me rassurent et à la fois, me donnent envie de danser. Une sensation d’espace et de pureté.

Cette expérience me fait penser aux trois dimensions présentées par Anjan Chatterjee : la cohérence, la fascination et le hominess. Je les retrouve dans ces lieux, mais je vais les développer plus loin, à partir de ce que j’ai ressenti.

La lumière naturelle et la lumière construite — je préfère cette expression à « lumière artificielle » — travaillent ensemble. Ando évoque aussi une « lumière abstraite » pour parler du travail qu’il fait volontairement pour faire entrer la lumière.

Les longs cheminements, de l’extérieur vers l’intérieur comme au sein d’un bâtiment, éveillent ma curiosité et ralentissent mon impatience d’atteindre les œuvres. Le parcours devient presque une destination en soi. Cela me rappelle la valeur du cheminement qui précède l’entrée dans les cases kanak, et la manière dont Renzo Piano l’a prise en compte au centre culturel Tjibaou. [Mon article MILES.]

Chaque bâtiment est pensé dans sa relation à un extérieur : relief, végétation, lumière, vues ou tissu urbain. On sent que le lieu préexistait à l’architecture et que celle-ci cherche à dialoguer avec lui.

Tadao Ando à la lumière des travaux d’Anjan Chatterjee

En parcourant les réalisations de Tadao Ando, j’ai retrouvé les trois dimensions présentées par le neurologue Anjan Chatterjee lors de Moving Boundaries Japan 2026 : la cohérence, la fascination et le hominess, ce sentiment d’être chez soi dans un lieu. Cette grille éclaire mon expérience personnelle ; elle ne dit pas que tous les visiteurs ressentent la même chose.

• La cohérence se manifeste dans l’épure des formes, l’unité des matériaux et la lisibilité des compositions. Les cercles, les lignes et les surfaces de béton créent une impression d’ordre et de tranquillité, même lorsque les cheminements sont complexes.
• La fascination naît des découvertes successives : un escalier inattendu, une ouverture sur le ciel, une lumière qui transforme l’espace, un paysage qui se dévoile. Chez Ando, le parcours entretient la curiosité et donne envie de ralentir, d’explorer, de s’attarder.
• Le hominess est peut-être le plus surprenant. Comment ces espaces de béton, souvent vastes et dépouillés, peuvent-ils me procurer une telle sensation de douceur et de bien-être ? J’y ai envie de toucher les murs, de m’asseoir, de rester, presque d’habiter momentanément les lieux. D’autres visiteurs pourraient cependant les trouver austères.

Ce qui me touche chez Ando est peut-être précisément la rencontre de ces trois dimensions : une architecture qui rassure sans enfermer, qui intrigue sans désorienter et dans laquelle on se sent bien sans qu’elle ressemble à un intérieur familier.

Cette lecture ouvre aussi une piste pour les espaces d’apprentissage : comment concevoir des lieux à la fois lisibles, stimulants et accueillants, dans lesquels les personnes auraient non seulement envie d’apprendre, mais aussi la possibilité de s’installer, d’explorer et de s’approprier l’espace ?

Ce que l’on peut en apprendre pour les espaces d’apprentissage

Des dispositifs assez simples — un mur, une cour, un escalier, une ouverture sur le ciel — peuvent transformer profondément mon expérience d’un lieu. Ce qui m’a touchée n’est pas seulement leur beauté, mais ce qu’ils m’invitaient à faire et à ressentir : marcher, ralentir, m’arrêter, regarder autrement, découvrir progressivement, parfois simplement être là.

Nous pensons souvent les espaces d’apprentissage à partir de leurs fonctions : écouter, travailler en groupe, échanger, expérimenter. Nous les équipons de mobilier et de dispositifs pédagogiques, mais nous nous intéressons moins à ce que leur organisation spatiale change dans notre manière de les habiter.

Et si nous accordions plus d’attention aux cheminements, aux seuils, aux espaces intermédiaires, aux variations d’ambiance et aux relations entre intérieur et extérieur ? Un lieu pourrait préparer à apprendre, susciter la curiosité, inviter à explorer ou permettre de se retirer momentanément d’une activité collective.

La question du vide me paraît particulièrement intéressante. Faut-il nécessairement attribuer une fonction à chaque mètre carré d’un espace de formation ? Ne peut-on pas laisser des zones disponibles, sans usage prédéfini, que les participants pourront investir, transformer, détourner ?

Il existe cependant une différence essentielle entre les lieux d’Ando et ceux que nous imaginons pour apprendre. Chez lui, les parcours sont composés avec précision : l’architecte organise les perspectives, les séquences et les découvertes. Dans un espace d’apprentissage, il ne s’agit pas de prescrire à l’avance tous les cheminements. L’enjeu serait de soigner l’expérience sensible tout en laissant aux personnes la liberté de choisir, de déplacer et d’inventer leurs propres usages.

C’est peut-être une piste pour penser des espaces d’apprentissage plus frugaux, éphémères et appropriables. Plutôt que de construire des lieux exceptionnels, nous pourrions regarder autrement ceux dont nous disposons déjà, identifier leurs qualités et leurs contraintes, puis imaginer quelques transformations capables d’en renouveler les usages.

Ce que je retiens finalement de Tadao Ando n’est donc pas une esthétique à reproduire. C’est une manière de penser l’architecture à partir de l’expérience humaine, des relations avec le milieu et de ce qui se passe entre les murs, plutôt que des murs eux-mêmes.

Trois principes à explorer

1. Le parcours comme préparation à l’apprentissage

Le trajet vers une activité peut devenir un temps de préparation, de curiosité, d’observation ou de questionnement.

Piste à expérimenter : proposer une entrée progressive dans une séance, à travers quelques micro-espaces où l’on découvre une question, un objet à observer ou une expérience à réaliser.

2. Les seuils comme changements d’état

Un seuil peut signaler une transformation du rapport à l’activité : passer de l’échange à l’observation, de l’action à la réflexion.

Piste à expérimenter : marquer les transitions avec des panneaux mobiles, un rideau, un changement de disposition ou de lumière, sans travaux lourds.

3. Le vide comme espace de possibilités

Tout l’espace n’a pas besoin d’être occupé, équipé ou programmé. Une zone libre peut rendre possibles d’autres usages.

Piste à expérimenter : conserver une partie de la salle sans aménagement prédéfini et laisser les participants décider de son usage pendant la formation.

Références

Études et publications

[1] Shirazi, Mohammadreza (2012). « An Investigation on Tadao Ando’s Phenomenological Reflections ». Armanshahr Architecture & Urban Development, vol. 5, n° 8, p. 21-31.

Cette étude analyse les réflexions d’Ando autour du corps (shintai), du mouvement, de la perception multisensorielle, de la lumière, du lieu et des relations entre architecture et nature.

[2] Mrduljaš, Maroje (2012). « Naoshima ». Oris, n° 76, p. 8-39.

Article illustré consacré aux réalisations de Tadao Ando à Naoshima. Il présente notamment les stratégies d’implantation, les plans, les circulations et les relations entre architecture, œuvres et paysage.

Pour aller plus loin, sources institutionnelles et architecturales

[3] Lee Ufan Arles. « L’Hôtel Duport-Vernon » et présentation des œuvres.

https://www.leeufan-arles.org

[4] Bourse de Commerce – Pinault Collection. « Tadao Ando : J’ai dessiné un cercle dans le cercle » et documentation sur la transformation du bâtiment.

https://www.pinaultcollection.com/fr/boursedecommerce

[5] Mori Building. « Omotesando Hills » — présentation architecturale et historique.

https://www.mori.co.jp/en/projects/omotesandohills

[6] 21_21 DESIGN SIGHT. « Architecture » — présentation du bâtiment et texte de Tadao Ando.

https://2121designsight.jp/en/designsight/architecture.html

[7] The Nippon Foundation. « THE TOKYO TOILET » — présentation du projet et des architectes participants.

https://en.nippon-foundation.or.jp/what/projects/communities/thetokyotoilet

[8] Benesse Art Site Naoshima. « Naoshima New Museum of Art » — architecture, programme artistique et activités publiques.

https://benesse-artsite.jp/en/art/nnmoa.html

Pour approfondir le travail de Tadao Ando

• Masao Furuyama — Ando: Modern Minimalism with a Japanese Touch, Taschen.
• Yukio Futagawa — publications photographiques et architecturales consacrées à Ando, notamment dans la collection Global Architecture.

[1] [1] Dans « Regard sur l’architecture de Tadao Ando » Yann Nussaume, édition Arléa, 2017

[2] ibidem

[3] ibidem